World building animazione 3D: come si crea un’ambientazione CGI

World building: cos’è, davvero

Si parla spesso di world building come se fosse una fase, una casella da spuntare tra il character design e l’animazione. Per noi è il punto di partenza. Il set design virtuale, la creazione di ambientazioni digitali capaci di reggersi in piedi da sole: costruire un mondo in CGI significa decidere, prima di ogni altra cosa, di cosa parla quel mondo, e solo dopo lavorare su come renderlo credibile.

Ogni scelta ha bisogno di una logica. Il livello di un fiume, il colore di una corteccia, l’angolo esatto in cui cade la luce: sono decisioni che rispondono a una domanda precisa, anche quando lo spettatore non se la pone consapevolmente. Le percepisce e basta, come si percepisce un’atmosfera entrando in una stanza.

L’ambiente come metafora

Con KCTOO la decisione era chiara fin dall’inizio: evitare simboli espliciti e momenti didattici lungo tutta la storia, e lasciare che fosse l’ambiente a raccontare, corsa dopo corsa.

Il film si apre su una foresta piena e viva, colori naturali, luce limpida. La lepre corre, si ferma ad annusare un fiore, riparte. È il mondo prima, integro, quasi ingenuo nella sua bellezza. Poi arriva la tartaruga: i due si guardano a lungo, e la corsa comincia. La lepre stacca subito, veloce. La tartaruga avanza piano. Al lago la lepre si ferma ad aspettare, la tartaruga arriva, la lepre riparte.

È qui che l’ambiente comincia a cambiare. Il vento si alza, le foglie si muovono, il cielo perde colore e diventa grigio. Un fulmine spacca un albero che cade verso la tartaruga, e da quel momento la tempesta non si ferma più: altri fulmini, il fuoco che si propaga, il rumore che cresce. Lepre e tartaruga si ritrovano fianco a fianco davanti a un sentiero, mentre il mondo intorno a loro brucia.

Quando la tempesta finisce, la foresta rigogliosa dell’inizio è scomparsa. Resta un paesaggio grigio, spento, e i due animali, senza più una gara da correre, uno accanto all’altra.

Dal concept alla superficie

Prima delle reference fotografiche, prima di qualsiasi software 3D, arrivano i disegni a mano. Concept art, studi di colore,  mood pensati per fissare un’idea prima che diventi geometria: come deve sentirsi la foresta nel primo minuto, quanto buio deve avere il cielo nel momento del fulmine, che forma deve avere la cenere che resta alla fine. Sono schizzi veloci, spesso imperfetti, fatti apposta per essere superati: il loro compito è dare una direzione condivisa a tutto il team, prima che qualcuno apra un software.

Il processo poi si allontana ancora dal 3D. Reference fotografiche reali, studio della luce in condizioni specifiche, ricerca su come la vegetazione reagisce allo stress idrico o al fuoco. Solo dopo arriva la costruzione degli asset: terreno, rocce, vegetazione, acqua, ognuno con le proprie regole fisiche e la propria risposta alla luce.

Tre discipline lavorano insieme in questa fase, percepite dal pubblico come un’unica cosa.

Lighting. La luce segue l’arco della storia più di quanto si limiti a illuminarla. All’inizio è naturale, calda, diffusa, la luce di una foresta viva. Con l’arrivo della tempesta si abbassa e si raffredda, il cielo grigio toglie contrasto alla scena. Poi arrivano i fulmini e il fuoco, lampi e bagliori che rompono il buio in modo improvviso e violento. Alla fine resta una luce piatta, fredda, senza calore: quella di un paesaggio che ha smesso di respirare. Costruire ognuna di queste fasi richiede lo stesso studio di un direttore della fotografia sul set, con la differenza che ogni sorgente va costruita da zero.

Shading e texturing. È la fase in cui una superficie comincia a comportarsi come materia vera, abbandonando la geometria pura. La stessa corteccia reagisce alla luce in modo diverso prima e dopo l’incendio, la stessa foglia passa da verde e lucida a bruciata e opaca. Sono queste micro-differenze, moltiplicate su migliaia di elementi, a rendere credibile una trasformazione che nella realtà richiederebbe anni e nel film accade in pochi minuti.

Compositing. L’ultima fase unisce geometria, luce, atmosfera, elementi di simulazione come fumo, brace e pioggia in un’unica immagine coerente. È il compositing a rendere credibile il passaggio da una scena all’altra, dal primo fulmine che spacca l’albero fino all’ultimo fotogramma di cenere.

Guadagnarsi la parola finale

La sfida più grande di questo ambiente è stata di misura, in un senso preciso: costruire una trasformazione credibile, capace di reggere il peso del finale.

Il film chiude con tre parole a schermo: ACT TOGETHER, ACT NOW. ACT. Perché quel testo funzioni, prima serve avere visto qualcosa da perdere: una foresta viva, un fiore, un momento di quiete al lago. E poi serve vederlo bruciare, davvero, in scena. L’ambientazione porta lo spettatore da un mondo pieno a un mondo vuoto, e solo a quel punto lascia parlare le parole.

Cerchiamo questa stessa misura in ogni progetto, che sia un cortometraggio autoprodotto o uno spot per un brand internazionale: storytelling ambientale prima ancora che immagine, capace di guadagnarsi ogni effetto che porta sullo schermo.

Questo articolo fa parte del dietro le quinte del cortometraggio CGI The Tortoise and the Hare. Nei prossimi appuntamenti raccontiamo il character design delle creature fotorealistiche e la pipeline che ha tenuto insieme un progetto di questa scala con un team snello.

Il corto è disponibile su Vimeo.

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